En novembre dernier, le festival des Inrocks se voyait privé d’une de ses têtes d’affiche : La Roux. Stupeur et tremblements chez les fans, frissons et gouttes de sueur au magazine. Si l’absence de la petite Anglaise faisait un peu tâche, c’était néanmoins l’occasion pour un groupe de la remplacer et de se confronter au public.

Ce sont donc les Irlandais de Two Door Cinema Club qui s’y sont collés, s’offrant une popularité éclair. Ajoutez à cela Something Good Can Work et I Can Talk, deux premiers singles bougrement efficaces, et l’on a très vite crié au génie.

Tourist History, leur premier album, était depuis quelques temps déjà en pré-écoute sur le Myspace du groupe, et les critiques ont fleuri sur le web. On parle ici d’un “son hyper catchy” (sic), là d’une “usine à tubes“, ou là encore d’un disque “indispensable“.

Passé l’emballement du au fait de pouvoir écouter autre chose que les singles les ayant rendu populaires, on se rend pourtant bien vite compte qu’il aurait fallu s’en contenter. Intégrés au milieu de sept autres chansons, ils parviennent tout juste à rehausser un peu le goût d’un album insipide.

Si le premier titre, Cigarettes In The Theatre, laissait présager un album rock au rythme enlevé et bondissant, l’espoir s’envole bien vite sitôt qu’on change de piste. D’un Come Back Home façon Enrique Iglesias à un This Is The Life en simili-Cardigans, en passant par des mélodies entendues cent fois et que l’on dirait piquées à Coldplay (Do You Want It All ?), on se demande bien sur quoi les chroniqueurs ont pu - pardonnez l’expression - se pignoler autant.

Alors on continue, et on écoute l’album encore et encore. La conclusion est sans appel : les seuls moments relativement excitants de la galette doivent leur existence aux trois titres qui ont fait la popularité du groupe. I Can Talk reste ainsi un tube magistral et frénétique, mais ne parvient malheureusement pas à sauver un ensemble beaucoup trop policé.

Two Door Cinema Club fait sans doute partie de ces formations dont le futur se résumera à choisir entre se faire oublier complètement ou se transformer en soupe commerciale pour Le Mouv’. On espère quand même qu’ils réussiront à l’avenir là où Tourist History a échoué : nous prouver le contraire.

Two Door Cinema Club - Tourist History

Sortie le 1er mars 2010

Tracklist :

1. Cigarettes In The Theatre
2. Come Back Home
3. Do You Want It All?
4. This Is The Life
5. Something Good Can Work
6. I Can Talk
7. Undercover Martyn
8. What You Know
9. Eat That Up, It’s Good For You
10. You’re Not Stubborn

Twickenham, Londres, 1961. Jenny, élève brillante, est lycéenne dans une école privée dans laquelle elle prépare difficilement son entrée à Oxford. Fille unique, elle se sent à l’étroit dans sa famille, marquée comme toute la société de l’époque par l’austérité de la reconstruction de l’après-guerre. Ses seules évasions sont la musique et les livres en français, au grand dam de son père, qui ne veut “entendre que les gouttes de sueur sur les livres” en rentrant du boulot.

Un soir, en sortant de sa répétition, son violoncelle à la main, elle fait la connaissance d’un type d’âge mur, David, qui au volant d’une singulière Bristol anglaise “produite à très peu d’exemplaires”, lui propose de la ramener chez elle. Intriguée, elle va peu à peu faire connaissance avec cet homme charmeur et au tempérament si différent de la grisaille quotidienne. Commence alors dans l’Angleterre corsetée de l’après-guerre une histoire d’amour entre Jenny et David, qui va l’emmener à Oxford, puis lui faire découvrir Paris et ainsi faire son “éducation sentimentale” chère à Flaubert. Jusqu’au jour où…

Si le film plaît, c’est bien sûr d’abord par la vitalité du jeu de la jeune anglaise, Crey Mulligan, tourbillonnante de charme, et qui éclipse le vieux routard de Peter Sarsgaard (David). On se plaît à plonger dans la reconstitution minutieuse de l’Angleterre morose du début des années 1960, celle des anoraks beiges, du racisme omniprésent (Jenny parle de “niggers”, et même si le mot n’a pas la même connotation qu’aujourd’hui, on sent la surprise de la jeune fille à voir David fréquenter des Noirs), tout comme des dîner des prétendants fébriles chez les parents des jeunes filles.

Parfois, le cliché agace, en particulier l’escapade à Paris, Tour Eiffel carte postale, et pique-nique avec nappe à carreaux et vin rouge devant Notre Dame. Mais n’est ce pas la vision fantasmée parisienne de Jenny qui est ainsi représentée ? De son côté, David, dandy aux rentrées d’argent mystérieuses, intrigue et se rend attachant par son personnage d’Arsène Lupin foireux (le vol du tableau à la sauvette), et de James Bond de seconde zone (le coup de la banane…).

Toutefois, le vrai intérêt de ce film réside dans le fait d’avoir su capter une époque, celle d’avant l’explosion du rock venu des Etats-Unis, et de sa réappropriation par les jeunes anglais, Beatles et Rolling Stones en tête. Mais nous sommes en Angleterre et la ville qui fait rêver n’est pas encore Londres, mais Paris : Jenny écoute des disques de Juliette Gréco, rêve de cigarettes russes et d’effluves Chanel. Les scarabées grattent encore à la Cavern dans leur brumeux Liverpool, les parents flippent et admonestent les jeunes filles de ne pas fréquenter de “teddy boys”, et le pays s’emmerde.

On se laisse finalement bercer par ce film, et-ce jusqu’à la demi-heure finale où tout bascule, où les frustrations et les non-dits de la société anglaise de l’époque reviennent comme le coup de kick d’une moto Triumph pour laisser abasourdis les protagonistes et les spectateurs, ne rendant que plus fort le coup de tonnerre de la libération pop des mois à venir.

En salles le 24 février 2010

Crédits photos : © Metropolitain FilmExport

Du ghost writer joué par Ewan McGregor, l’on ne connaîtra jamais le nom. Embauché pour rédiger les mémoires de l’ex-Premier ministre britannique Adam Lang - Pierce Brosnan - suite au décès de son nègre précédent dans d’étranges circonstances, l’écrivain se retrouve rapidement en villégiature dans la maison high tech de l’homme politique. Sur une petite île battue par la pluie, le long d’une plage proche de l’endroit où fut retrouvé le cadavre de son prédécesseur, l’endroit sinistre dissimule de lourds secrets. Y compris à propos de Lang lui-même, qui se retrouve simultanément mis en examen par le tribunal de La Haye pour une sombre affaire de torture sur des terroristes. Son passé obscur attise la curiosité du jeune nègre, commençant sa propre enquête en parallèle de sa collaboration d’écrivain.

Derrière le calme apparent qui règne en maître dans cette maison de bord de mer, chaque membre de l’entourage de Lang est une énigme. Grâce à sa mise en scène lugubre, froide et très précise, Roman Polanski instaure un climat de soupçon permanent. L’isolement géographique du lieu, le temps constamment pluvieux au dehors et les non-dits font de chaque scène un moment d’oppression où le doute ne cesse de se renforcer. Qui manipule qui ? Embarqué dans une affaire où il ne fait pas bon fourrer son nez, le ghost writer devient un pion sur un échiquier où la vie humaine n’a plus réellement de prix…

Au fur et à mesure que le scénario s’engouffre dans une descente aux enfers, la paranoïa s’installe. Loin de la complexité des enjeux politiques qui pourraient rendre la narration confuse et incompréhensible, Polanski se concentre sur l’intime et l’identification au jeune écrivain. Peu coutumier de la sphère politique, il découvre peu à peu les enjeux qui se dessinent, tandis que le spectateur le suit pas à pas dans son enquête. Ewan McGregor, dont les répliques d’un second degré so british font mouche, crève l’écran et instaure une complicité naturelle. Dans son rôle d’ex-Premier ministre, Pierce Brosnan relève également d’un choix judicieux, à l’image du reste du casting.

On l’aura compris, la véritable surprise de The Ghost Writer ne vient pas de son scénario. Bien ficelé mais relativement classique, il n’est qu’un faire-valoir à la démonstration du savoir-faire de Polanski. A partir d’un rythme parfaitement maîtrisé, qui emporte le film dans un crescendo progressif jusqu’au dénouement final, le cinéaste laisse résonner les problématiques habituelles de son cinéma (l’absurde, l’oppression, les déviances sexuelles, etc.), tandis que l’actualité qui l’a rattrapé depuis quelques mois fait ici curieusement écho. Du spectateur du dimanche au cinéphile le plus averti, tous les publics trouvent ainsi leur compte grâce à une imbrication subtile des niveaux de lecture.

Formellement, la réussite est totale. Rien n’est laissé au gré du hasard. Chaque scène est justifiée dans le cheminement du scénario, chaque réplique habilement pensée, chaque plan méticuleusement construit. Ajoutez-y l’admirable partition d’Alexandre Desplat, faisant référence aux thrillers des 60’s et 70’s, et vous obtenez un grand film. Extrêmement soigné sans en faire des tonnes, The Ghost Writer est un thriller classe, très divertissant et habité d’un rare talent, jusqu’à son plan final. Délicieux.

En salles le 24 février 2010

Crédits photos : © Paramount Pictures France

Le scénario ne rentrera pas dans les annales de la profession. Daniel Day Lewis est Guido Contini, réalisateur italien de génie qui ne parvient pas à écrire le script de son neuvième film, Italia. Tiraillé entre son métier et la crise de la cinquantaine, il doit en plus gérer des relations tumultueuses avec les femmes : sa mère (Sofia Loren), sa femme (Marion Cotillard) délaissée pour une maîtresse envahissante (Penelope Cruz), mais aussi la prochaine star de son film (Nicole Kidman). Elles gravitent autour de lui pendant près de deux heures, décrites tout à tour à l’aide de tableaux musicaux et peignant l’histoire d’un homme dérouté par le sexe opposé et un traumatisme juvénile. Rien de très croustillant, ce qui est regrettable car trop attendu dans ce type de fresque.

Là où Nine étonne tout de même, c’est par sa mise en scène. Ce n’est pour une fois pas qu’une transposition de music-hall. La force de Rob Marshall est d’en faire un film à part entière, de sublimer le cabaret. Le système de la comédie musicale est subtilement utilisé pour soutenir le projet cinématographique, et le grand écran est un support rêvé pour cette réalisation. On glisse vers la chanson à chaque présentation de personnage par des moyens plus ou moins détournés voire cocasses : Carla Albanese (Penelope Cruz) exécute par exemple son numéro de charme au téléphone pendant que Guido est soigné à l’autre bout du fil par un médecin auquel il fait croire qu’il appelle le Vatican. La transition est quasiment invisible entre comédie musicale et film, le décor principal étant lui-même un cabaret.

Le travail sur les jeux de lumière y est pour beaucoup :  il masque certaines femmes pour mettre l’accent sur d’autres et expliquer leurs relations complexes avec Guido. Les décors et les costumes sont eux aussi un appui essentiel qui permettent au film de sortir de la simple chansonnette. Les tons dorés et chauds, très justement choisis, valorisent les chorégraphies. Couplés à une lumière grise et tamisée, ils contribuent fortement à la réussite visuelle de l’œuvre. Une mention spéciale à la présentation musicale de Saraghina (Fergie), endiablée tout autant…qu’ensablée.

Le jeu des acteurs est cependant inégal, même si le casting fait rêver. Si Rob Marshall a réuni le gratin d’Hollywood, s’assurant ainsi un succès commercial, tous ne sortent pas vainqueurs de l’épreuve. On ne retiendra pas vraiment la performance de Nicole Kidman, pourtant une habituée du genre avec Moulin Rouge. Mais Daniel Day-Lewis, Penelope Cruz, Kate Hudson et même Marion Cotillard exécutent avec brio leur rôle tout en s’improvisant chanteurs et danseurs.

Quant à la musique, au cœur du film,  elle est plutôt plaisante mais ne s’éloigne malheureusement pas des sentiers battus du cabaret. Judi Dench est surprenante dans son interprétation en français assortie d’un accent trop marqué qui n’en est pas moins délicieux à l’oreille. Les autres prestations sont exécutées sans fausse note mais on regrettera le manque d’originalité, tant dans les paroles que dans la composition.

Avec Nine, Rob Marshall fait donc ce qu’il aime et ravira les amateurs du genre. Si vous y allez, ce ne sera cependant pas pour l’intrigue, mais simplement pour le plaisir des yeux.

En salles le 03 mars 2010

Crédits photos : © SND

Foster The People — Pumped Up Kicks
The Hidden Cameras — Underage
Magic Kids — Superball
Phantogram — When I’m Small
Parov Stelar — Matilda

Samia - L’après-midi d’un faune

Bill Callahan — The Wind and the Dove
Mumford & Sons — Little Lion Man
Akron/Family — River
Mount Eerie — You Swan, Go On
Elva Snow — Pavement Kisses

Marcus - From Berlin to Vienna

Waldeck — Addicted
Paul Kalkbrenner — Sky and Sand
Turntablerocker — No Melody
Die Fantastischen Vier — Einsam und zurückgezogen
Soap&Skin – The Sun

Arthur - Jane Birkin

Le Corps Mince de Françoise — Cool and Bored
Vive la Fête — Nuit Blanche
Bran Van 3000 — Jean Leloup’s Dirty Talk
Au Revoir Simone — All or Nothing (Tout ou Rien)
Début de Soirée — Nuit de Folie (Jo Hye Ryun cover)

Vent fort, brume épaisse, mer houleuse… Sur le bateau qui transporte le marshall Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) et son acolyte Chuck Aule (Mark Ruffalo) vers Shutter Island, le malaise est immédiat. Les deux hommes n’ont pas encore débarqué que la tension est déjà palpable. Très rapidement, Martin Scorsese jette le trouble, déstabilisant l’homogénéité du montage avec une accumulation de flashbacks, de discrets faux raccords et une musique au volume inhabituellement haut. Erreur de réalisation ? Certainement pas… La tension esthétique trouve rapidement son paroxysme dès l’arrivée des deux détectives sur l’île : un impressionnant plan aérien, souligné par les timbres atonaux de la 3ème symphonie de Penderecki, achève de créer un climat d’oppression jusqu’aux grilles de l’hôpital psychiatrique. Le cauchemar n’en est qu’à ses débuts, mais le ton est donné.

En prenant alors comme point de départ l’enquête sur la disparition d’une patiente de l’île (à la sauce Mystère de la Chambre Jaune), le film annonce logiquement une sombre enquête policière en huis clos… Première fausse piste d’un scénario diabolique et totalement manipulateur. Car si enquête il y a, elle est d’une toute autre nature, révélée après de nombreux méandres narratifs lors du fantastique retournement de situation de la dernière demi-heure. Autant donc être clair : Shutter Island est le contraire absolu du divertissement facile de fin de soirée. Cette véritable expérience cinématographique, éprouvante pour les nerfs comme pour le cerveau, en rebutera plus d’un.

A partir de l’histoire originale de Dennis Lehane, Martin Scorsese s’en donne à cœur joie pour développer son propre univers. Hanté par la mort de sa femme, le marshall Teddy Daniels est ainsi un personnage typiquement scorsesien, entre obsession vengeresse (comme celle d’Amsterdam dans Gangs of New York), et délire schizophrène (tel Howard Hugues dans Aviator, ou encore les héros des Infiltrés). DiCaprio, génial de justesse, porte à lui seul toute l’intensité dramatique du film.

Pour le reste, la mise en scène peut, souvent à juste titre, paraître trop démonstrative et d’une lourdeur accablante, à l’image de nombreux flashbacks répétitifs. Mais même s’il stabilote au fluo les moments-clés du récit et s’égare parfois dans d’obscures explications interminables, Scorsese laisse son film ouvert à de multiples interrogations. L’apparence parfois chaotique de l’ensemble, loin d’être un réel défaut, adopte le point de vue du personnage incarné par DiCaprio. Ce choix d’une caméra subjective est donc totalement justifié par le scénario, plongeant le spectateur dans la psyché de Teddy Daniels jusqu’à le duper.

Entre un suspense hitchcockien (la référence à Psychose avec la contre-plongée sur un pommeau de douche n’est certainement pas fortuite) et une exploration psychanalytique que n’aurait pas reniée David Lynch, Scorsese fait de Shutter Island un film très personnel, désenchanté et pessimiste. Une plongée cauchemardesque d’une grande maîtrise.

En salles le 24 février 2010

Crédits photos : © Paramount Pictures France

Difficile de faire une critique détaillée de Causers of This, un album qui relève plus de la masse aérienne indifférenciée que de l’éclair de génie à chaque piste. Après plusieurs écoutes en se concentrant, on parvient bien à reconnaître, ici l’influence claire d’Animal Collective (Blessa), là un rythme funk faisant vaguement penser aux Daft Punk (Lissoms).

Très vite pourtant on se laisse à nouveau happer par toutes ces nappes,  venues tout droit des années 80 et qui s’empilent les unes sur les autres. You Hid et Freak Love, en particulier, donnent l’impression d’être scotché vingt mille lieues sous les mers. La sensation est bonne mais la pression pourrait devenir pesante.

Heureusement, il y a cette bombe au nom que l’on dirait tiré d’un album de Tintin : Talamak. Court, concentré de mélancolie légèrement je-m’en-foutiste, ce titre est la respiration dont l’auditeur avait besoin pour ne pas étouffer dans l’atmosphère moite de Causers of This. Le genre de chanson qui s’écoute bien volontiers un matin où l’on rentre se coucher, alors que le Soleil, lui, part au turbin.

Au final, mis à part ce dernier titre qui sort singulièrement du lot, l’album est bien foutu mais ne brille pas vraiment par son originalité. Toro Y Moi n’est jamais qu’un autre artiste venant grossir les rangs de la chillwave, ce courant au nom très moche mais somme tout significatif. Sa musique est donc à prendre en temps que telle : impropre à vous remuer les tripes, elle cherche simplement à vous faire flotter le temps d’un CD. De ce point de vue, c’est plutôt réussi.

Toro Y Moi - Causers of This

Sortie le 23 février 2010

Tracklist

1. Blessa
2. Minors
3. Imprint After
4. Lissoms
5. Fax Shadow
6. Thanks Vision
7. Freak Love
8. Talamak
9. You Hid
10. Low Shoulders
11. Causers Of This

Né en Angleterre, Lyonnais d’adoption, Andrew Dymond met son savoir-faire de batteur grindcore au service du chiptune. Chacun des coups qu’il assène à ses fûts transite par un synthétiseur moduleur et déclenche un son 8-bit différent. Résultat : des versions stéroïdes de titres de jeux vidéo légendaires comme Space Harrier ou Ninja Spirit. Assister à un de ses concerts est une expérience hors du commun.

Samedi dernier, il était venu passer le mur du son dans la Cave aux Poètes. Avant qu’il n’empoigne ses baguettes, et alors que l’Islandais Mugison était déjà bourré et se préparait à jouer (une belle découverte par ailleurs, mais c’est un tout autre article), nous nous sommes donc retrouvés dans sa loge pour une séance de questions sur toile cirée, devant les restes de bière, de fromage et de saucisson.

Il sera question de Chewbacca, de playback, de mecs à poil et de lumbago.

[Les photos sont en bas de l'article]

« KUB3 : Tu es ici ce soir en tant que Duracell mais tu joues aussi dans d’autres groupes, notamment Chewbacca et The Rubiks. C’est plutôt du grindcore ou du noise rock…

Andrew : Pour Chewbacca ouais.

Pourtant avec Duracell tu joues de la musique 8-bit. Comment t’es venue l’idée, en premier lieu de jouer seul à la batterie et ensuite de l’associer à ce type de son, sachant que c’est un univers assez éloigné de ce que tu joues par ailleurs ?

A la base je suis batteur. Pour The Rubiks je fais de la batterie plutôt rock et avec Chewbacca on fait plutôt de la matière techno, transe, impro, noise…bref. Mais j’ai aussi toujours joué de la batterie seul chez moi, et je me suis intéressé à un moment donné à la technologie et je me suis posé la question « est-ce qu’on peut retraiter la batterie? ». Je m’étais  acheté une machine qui faisait vocoder mais je me suis rendu compte que c’était pas vraiment ce que je voulais faire. C’est à ce moment là que j’ai découvert le groupe Lightning Bolt [ NDLR: ces mecs sont de vrais cinglés ]

Ils sont américains non ?

Oui, de Providence. C’est un duo basse-batterie façon mur du son. Et quand j’ai vu ce groupe je me suis dis « c’est ça qu’il faut produire comme son.» J’ai donc essayé de faire quelques-uns de leurs morceaux tout seul en déclenchant les sons à la batterie, et de fil en aiguille je me suis retrouvé à faire des concerts avec ces reprises. Je me suis acheté une nouvelle machine et je me suis mis à délirer avec des sons super simples. Il y a un moment eu un truc qui m’a fait pensé à la ligne de basse de Space Harrier. Je l’ai du coup rentré dans l’engin et j’ai ensuite ajouté la mélodie. Je me suis alors rendu compte que je pouvais le faire en entier à la batterie.

C’est donc un peu par hasard que tu as commencé à jouer de la musique de jeux vidéo ? Tu n’étais pas fan à l’origine ?

J’y ai joué quand j’étais petit, j’ai eu quelques consoles. Et mes frères et moi on trouvait déjà certains airs hyper bien. Le morceau de Turrican [voir ci-dessous], que je joue en concert, on trouvait que c’était un morceau génial. On l’avait mis sur des cassettes avant même que j’aie une batterie ou que je sache que j’allais faire de la musique. Et au final cette musique est assez bien adaptée au système que j’utilise, à savoir un synthétiseur moduleur. Ce synthé a une certaine quantité de ressources dont il faut affecter une partie aux sons et une  autre à la structure du morceau. Et comme le morceau Space Harrier est assez gros, j’utilise pas mal le synthé pour faire la structure et pour le peu de ressources qu’il me reste les petits sons 8-bit conviennent parfaitement parce qu’ils en nécessitent peu. Le bon côté c’est que je peux affecter beaucoup de ressources aux structures, qui sont généralement un peu délaissées par les batteurs qui trigg des trucs. Ils ont tendance à assigner simplement un son par fût. Mais moi je préfère que le son qui sorte lorsque je frappe sur un fût ne soit pas à chaque fois le même. J’essaye de penser un peu plus loin que ça.

Quand on pense à la musique 8-bit on imagine plutôt le gros nerd à lunettes ou des DJ comme Boy 8-bit si bien qu’on est presque étonné de voir cette association entre ce type de musique et la batterie live de Duracell. Quand on parle de « nitendocore » [NDLR : terme créé par le groupe HORSE the Band plus pour déconner qu'autre chose], tu te retrouves là-dedans ?

Oui, plutôt. Si tu dis « nitendocore » à quelqu’un et qu’il me voit en train de jouer, je pense qu’il va se dire que ça correspond assez bien. Mais si on devait regarder dans la liste de groupes rassemblés sous cette appellation, je pense que je suis le seul à la batterie. La plupart des autres gars font plutôt des genres de mashups-breakcore à base de 8-bit. Et ça donne une musique quantisée. En fait là où je pense que je suis un peu différent c’est que j’amène une dose d’organique à l’intérieur du 8-bit, qui est normalement toujours séquencé et parfait au niveau du rythme. J’amène une certaine imperfection, une interprétation humaine.

Et tu es un artiste exclusivement live ou tu as l’intention d’enregistrer un album ?

Disons que pour des groupes comme Chewbacca faire un CD a du sens, encore que pour celui-ci ce sont des disques de live qui seraient appropriés. Mais pour The Rubiks, oui on est content d’aller en studio et d’essayer d’enregistrer des versions propres de nos morceaux. En ce qui concerne Duracell c’est plutôt un spectacle. Je le savais pas au moment où je l’ai créé mais en le faisant je me suis rendu compte que ça avait une identité particulière dans la façon dont ça se présente aux gens, la manière dont le public le reçoit et le contexte dans lequel je me produis. Au final ça s’apparente plus à de la performance et à un spectacle. Avoir simplement des clips sur Youtube de façon à ce que les gens qui veulent savoir ce que je fais puissent avoir une idée, ça me va très bien.

« C’est ultra-excitant de se dire qu’à tout moment quelqu’un peut tomber sur ta batterie »

Il paraît que ça t’arrive de jouer en playback, c’est vrai ça ?

Le bruit court depuis longtemps et je ne l’ai jamais dit en interview, ça sera donc une révélation [sourire]. Je le fais plus aujourd’hui mais c’est vrai qu’à un moment dans mon set j’avais introduit un morceau en playback, le dernier boss de Space Harrier. En fait dans Space Harrier je fais le niveau 1, le niveau 2, le game over, le high score et également le dernier boss histoire de me dire « Space Harrier comme ça on en est débarrassé ». Mais pour ce dernier morceau je lançais discrètement la musique sur Winamp. Il y avait une petite introduction qui me comptait les coups et me permettait d’être dans le tempo. Ensuite je faisais semblant de déclencher le reste du morceau. C’était complètement crédible par rapport à tout ce qu’on avait vu jusque là. Une fois que le morceau avait démarré je me mettais à jouer de la batterie rock normale, je me faisais plaise en fait. Ça restait carré mais au final ma batterie se détachait un peu de la musique, on sentait que je pouvais totalement faire un break. Je me suis dit que c’était complètement flag’ et que tout le monde allait me dire que j’avais fait un playback en plein milieu.. mais en fait personne n’a jamais remarqué. Je pense que j’amène tellement le public dans une certaine écoute qu’au bout d’un moment il ne se pose plus trop la question.

Et jamais personne ne t’a rien dit ?

Non. Pour moi c’était plutôt un gag et je pensais vraiment que certains allaient me dire « t’es tordu » [rires].

Pour continuer dans les anecdotes j’ai entendu dire que les gens se foutaient à poil dans tes concerts…

Non ça par contre c’est pas vrai. Il y a bien parfois des mecs torse nus en fin de soirée, un peu bourrés. Bon c’est vrai qu’il y a eu un mec une fois qui a montré sa bite, il y a d’ailleurs une vidéo sur Internet. Et il y aussi ce gars à Lyon qui se fout à poil à tous les concerts. C’est un fan. Dès qu’il aime bien il se fout à poil.

J’ai aussi cru voir quelque part que tu avais dû sortir d’un de tes concerts sur une civière. C’était à Londres…

Non en fait c’était à Toulouse. J’étais super fatigué, j’étais en tournée et ça faisait plusieurs jours que j’alignais beaucoup de bornes et très peu de sommeil. Une fois arrivé sur place il y a eu une sorte d’altercation avec le patron du lieu parce qu’il trouvait que je jouais trop fort. Il m’a vraiment menacé verbalement et physiquement, il a joué l’intimidation. Tout le monde était désolé et y avait un peu une sale ambiance. Je me souviens bien j’étais dehors avant le concert en train de fumer une clope, il faisait froid, j’étais en T-shirt je me disais « bon, faut y aller ». Et quand j’ai commencé à jouer les gens étaient vraiment au taquet, ils étaient super enthousiastes. C’était genre le meilleur concert de ma vie, tout le monde était trop heureux ! Et du coup j’ai tout donné tout de suite. Au bout de deux  minutes je me suis lancé dans un break et là j’ai senti mon dos faire un sale bruit. Je m’arrête alors de jouer et j’explique aux gens que je viens de me faire super mal au dos. Donc je pose mes baguettes, les gens comprennent pas vraiment ce qu’il se passe, j’essaye de me poser par terre, je m’allonge pour un peu soulager mon dos… et là plus moyen de bouger.

Tu t’es fait quoi en fait ?

Une lombalgie aigüe, un lumbago. J’arrivais plus à me relever donc je suis reparti sur une civière ouais.

Du coup ils ont eu un concert intense de 5 minutes…

Ouais c’est ça. 3-4 minutes, je sais pas bien. En plus juste l’intro… Et je ne suis pas retourné depuis jouer à Toulouse, c’était en 2007. Donc je leur dois un concert.

Et tu joues toujours au milieu du public ? Ce soir tu vas faire comment ?

Je vais jouer au milieu du public et je dirai aux gens qu’ils pourront venir autour. Si c’est dans l’axe de l’ampli ça peut être un peu aggressif, si t’es un peu en dehors de l’axe c’est un peu plus doux et si tu te mets derrière la batterie c’est encore plus cool. Les gens peuvent choisir l’écoute qui leur convient.

C’est un principe, pour toi, de jouer comme ça au niveau du sol ?

C’est Lightning Bolt qui fait ça. Et j’étais tellement impressionné par ce groupe, pas seulement leur musique mais leur approche en général, que je voulais simplement vivre la même chose qu’eux en fait.

Ils t’ont vraiment marqué…

Oui. Moi aussi je voulais savoir ce que ça faisait de jouer de la batterie, d’envoyer de la musique de taré et d’avoir à côté de toi les gens qui sautent et qui limite te prennent le bras quand tu es en train de jouer, ou qui mordent la cymbale…

Ça t’es déjà arrivé des trucs comme ça ?

Ouais bien sûr. Une fois un mec s’est accroché à moi comme ça [ imite quelqu'un l'enlaçant par derrière en fermant tendrement les yeux ] genre « je t’aime ». Pendant que je jouais quoi [rires]. J’ai aussi déjà du repousser des gens qui te gueulent des trucs dans l’oreille. Tu sais pas ce qu’ils te gueulent mais t’es en train de jouer alors t’es juste là [ il fait un mouvement du bras ] « barre-toi » !

Ou des gens qui se vautrent sur ta batterie…

Ça arrive aussi mais à la limite c’est ultra-excitant de se dire que quelqu’un peut à tout moment tomber sur ta batterie alors même que t’es en train de jouer. Putain t’es vivant dans ces moments là ! Et puis de flirter avec cette proximité, cette folie, ça rend l’ambiance électrique. En plus le fait que de jouer par terre fait que les gens se mettent autour et se voient les uns les autres. Donc si ça se passe bien les gens le voient sur le visage des autres. C’est bien mieux que si tout le monde est en rang. Après c’est vrai que c’est parfois pas adapté. Plus ça va plus ça m’arrive de faire des concerts devant un peu plus de monde. Et là je suis obligé d’aller sur scène… »

Interview réalisée par Olivier Clairouin

Crédits photos : Olivier Clairouin

Nombreux sont les cinéastes s’étant attaqués aux romans et nouvelles de Roald Dahl. Bien avant Fantastic Mr. Fox, les adaptations se sont suivies pendant quarante ans. Du film d’animation - Le Bon Gros Géant de Brian Cosgrove (1989), James et la grosse pêche d’Henry Selick (1997) - à la comédie familiale - The Witches de Nicolas Roeg (1990) - cf. trailer en bas de l’article -, certaines œuvres ont même été déclinées sous plusieurs films. Ainsi, bien avant l’adaptation de Tim Burton en 2005, une première version de Charlie et la Chocolaterie fut tournée au début des années 1970 par Mel Stuart, tandis que Matilda reste, à ce jour, le roman de Dahl le plus porté à l’écran (en 1978 par Daniel Mann, en 1991 par Giorgio Magliulo et Antonietta de Lillo et en 1996 – version la plus célèbre signée Danny de Vito).

Certains de ces films sont depuis tombés dans l’oubli, mais tous témoignent de la forte dimension visuelle de l’œuvre littéraire originale, dont les écrits pour enfants sont souvent accompagnés de dessins de Quentin Blake. Ses illustrations sont rapidement devenues indissociables du style de l’écrivain (une collaboration rappelant Goscinny et Sempé pour Le Petit Nicolas), invitant au rêve et créant un univers unique.

Bien avant que des tiers s’emparent de l’œuvre de Roald Dahl pour la porter au cinéma, l’artiste lui-même entretint de son vivant une véritable passion pour l’image. Féru de peinture, le jeune écrivain - alors peu connu - rencontra Walt Disney dès les années 1940 pour évoquer le passage à l’écran de son premier livre pour enfants… Si Gremlins ne verra finalement le jour qu’en 1984 devant la caméra de Joe Dante, l’oeuvre fut très tôt envisagée pour le cinéma par son auteur.

Les adaptations des romans de Roald Dahl dans les salles obscures naîtront surtout dans les années 80 (et après sa mort en 1990). Mais de son vivant, l’écrivain laissa aussi sa propre empreinte dans le monde du cinéma ou encore de la télévision. Une empreinte certes discrète, mais plutôt inattendue et particulièrement insolite.

Nous sommes à la fin des années 1950. Quelques nouvelles pour adultes de Roald Dahl, teintées d’humour noir et de détails macabres, suscitent alors l’intérêt d’Alfred Hitchcock pour sa série télévisée à succès Alfred Hitchcock Presents. A l’apogée de sa carrière cinématographique (Sueurs Froides en 1958, La Mort aux Trousses en 1959), le réalisateur délègue souvent les tournages pour le petit écran, se contentant d’un cameo en introduction et en épilogue de chaque épisode d’une vingtaine de minutes. Mais quand il s’agit d’adapter Roald Dahl, il en est autrement…

Au final, parmi les cinq adaptations retenues, trois d’entre elles (L’Inspecteur se met à Table, A Dip in the Pool - inédit en France - et Le Manteau) seront directement réalisées par Hitchcock. Peu connus du grand public, ces courts-métrages demeurent pourtant de véritables bijoux de mise en scène, teintés d’ironie et de thèmes chers au réalisateur (dans L’Inspecteur se met à Table - visionnable en VF -, une femme tue son mari à coups de gigot congelé et, espérant commettre le crime parfait, fait cuire la viande pour le dîner)…

L’adaptation des nouvelles de Roald Dahl pour la télévision ne s’arrête pas là. Au début des années 1980, dans la lignée d’Alfred Hitchcock Presents, l’auteur lance Tales of the Unexpected. Composée de neuf saisons (112 épisodes), la série compile des histoires étranges et des récits d’horreurs inspirés de son œuvre. L’esthétique du générique n’est d’ailleurs pas sans rappeler le travail de Maurice Binder pour les James Bond.

Mais la facette la plus méconnue de Roald Dahl reste probablement sa contribution de scénariste pour le 7ème Art… et la transition est toute trouvée. Quand il rencontre un certain Ian Fleming pendant une mission aux Etats-Unis durant la Seconde Guerre Mondiale, l’écrivain est loin de se douter qu’il côtoie le futur créateur de l’agent secret le plus mythique de l’histoire du cinéma. Un personnage auquel Dahl sera pourtant directement confronté en 1968, lorsque le producteur Albert R. “Cubby” Broccoli lui confie l’écriture du scénario de You Only Live Twice (d’après le roman éponyme de Ian Fleming), cinquième opus de la franchise des 007 avec Sean Connery…

Tel l’agent secret de Sa Majesté, Roald Dahl semble lui aussi ne jamais devoir mourir. Si la diversité de son œuvre reste méconnue du grand public, ses récits pour enfants traversent les époques, portés par des adaptations cinématographiques plus ou moins heureuses. Prochaine actualité : la réédition en DVD de The Witches (d’après Sacrées Sorcières) en août 2010. Bande-annonce.

Portrait de Roald Dahl © Carl Van Vechten / Affiche Le Bon Gros Géant © Cosgrove Hall Films / Affiche The Witches © The Jim Henson Company / Affiche Matilda © TriStar Picture / Affiche James & the Giant Peach © Walt Disney Pictures / Affiche Charlie et la Chocolaterie © Warner Bros / Affiche You Only Live Twice © Eon Productions

Ils n’ont désormais plus de local que le nom, tant les cinq Californiens ont fait parler d’eux ces derniers temps. Mais sait-on au juste qui sont les Local Natives ? Kelcey Ayer, l’un des deux chanteurs du groupe, a accepté de répondre à nos questions. Il revient sur le processus de composition de l’album et partage avec nous ses sentiments sur leur tournée européenne.

“KUB3 – Vous avez composé dans une maison que vous avez appelée “Gorilla Manor”, nom que vous avez ensuite repris comme titre pour votre premier album. Comment ce nom vous est-il venu ? Vous avez évoqué les nombreuses soirées dans cette maison, comment cela se passait-il au quotidien ?

Kelcey Ayer – “Gorilla Manor” était un nom un peu stupide qu’on a donné à la maison alors qu’on y vivait tous ensemble. Et comme c’est là qu’on a composé la majeure partie de l’album, il nous a semblé naturel de le baptiser ainsi. Oui effectivement, il y a eu pas mal de soirées, ça c’est sûr, mais de dire que c’était la fête 24 heures sur 24 ce serait exagérer. On était juste des musiciens un peu barrés, on jouait super fort et nos amis aussi.

Quand vous avez déménagé à Gorilla Manor, votre but était-il de composer un album ou cette idée vous est venue alors que vous viviez ensemble?

On voulait faire un album et l’on pensait qu’habiter tous ensemble faciliterait forcément les choses, et effectivement cette intuition s’est vérifiée. Être dans la même maison a fait que finalement, si on voulait se voir, il suffisait d’aller dans la pièce d’à côté. Du coup, quand on avait une étincelle de créativité, il suffisait d’attraper quelqu’un et c’était parti.

L’édition limitée de l’album contient un DVD avec des chansons jouées en acoustique. Où avez-vous filmé ces interprétations ?

C’est une collection de différentes vidéos qu’on a tournées nous-même. Une vidéo vient d’un entrepôt à Manhattan, une autre a été filmée dans une grange dans l’Iowa, et je crois que le reste vient de différents endroits près de Silverlake, le quartier de Los Angeles où l’on vit maintenant.

Sur l’album figure une reprise de Warning Sign, des Talking Heads. Vous avez déclaré être fans de ce groupe. Avec quel type de musique avez-vous grandi ? Y a-t-il des groupes que vous admirez ?

Mon père fait de la guitare et du chant. Avant qu’on aille au lit il nous jouait, à mon frère et à moi, les premières chansons des Beatles et d’autres tubes de sa jeunesse. Sans aucun doute, cela explique pourquoi j’ai commencé à jouer moi aussi. Pour ce qui est des idoles, il n’y a pas vraiment de groupes qu’on admire par-dessus tout. J’imagine qu’on aimerait être n’importe qui tant qu’il s’agit de quelqu’un de respecté pour sa musique et qui sait prendre des risques.

« Faire la première partie de Radiohead au

Hollywood Bowl de Los Angeles,

je ne vois pas plus idéal que ça ! »

Votre son a souvent été comparé à celui d’Arcade Fire, Fleet Foxes, Grizzly Bear ou encore Vampire Weekend. Qu’est-ce que ces comparaisons vous inspirent ? Avez-vous déjà pu rencontrer l’un ou plusieurs de ces groupes ?

On est très flatté par les comparaisons qu’on a entendu pour l’instant. Ce sont des groupes qu’on aime beaucoup et qu’on respecte, donc être cité au milieu de ces artistes est forcément encourageant. Je n’ai rencontré personnellement aucun de ces groupes pour l’instant, mais on a eu assez de chance pour jouer en première partie de Grizzly Bear au SXSW, à Austin, l’année dernière. On avait écouté Veckatimest non-stop avant le festival. Le concert a été bluffant. Voilà sans aucun doute un bon souvenir pour chacun d’entre nous.

Il y a un mois, on vous a vu jouer à France Inter, en Black Session : le concert était admirable. Et bien que vous ayez joué toutes les chansons de l’album pour le direct, vous êtes revenu après la fin de l’émission et avez rejoué un titre. À ce moment-là, vous sembliez vraiment surpris par la réaction du public. Quelles ont été vos impressions ?

Merci ! Je crois que tous les publics pour lesquels nous avons joué réagissent plus ou moins de la même façon. Mais ce soir-là, vous n’avez pas bronché avant qu’on joue la dernière note du concert, et c’est une fois qu’on a eu fini que vous avez exulté en applaudissant à n’en plus pouvoir. C’est marrant parce qu’au début on se disait « Oh merde, on s’est planté ce soir ! ». Et après vous êtes devenus complètement fous et ça a été un grand soupir de soulagement pour nous. C’était vraiment bien ce soir-là. Désolé si on n’avait pas assez de chansons ! J’imagine qu’il y a pire comme problème dans la vie !

Est-ce que vous comptez jouer en Europe cet été ? Vous avez peut-être déjà eu des confirmations de certains festivals européens…

Jouer dans des festivals européens fait parti de nos plans, ça il n’y a pas de doutes. Maintenant, on ne sait pas encore lesquels.

(NDLR : KUB3 est aujourd’hui en mesure de confirmer que Local Natives sera présent au Festival Solidays ainsi qu’au Festival Beauregard).

Quand vous êtes en tournée, qu’est-ce qui vous motive et, au contraire, qu’est ce qui vous fait peur ?

Ce que j’attends le plus c’est de découvrir tous les jours de nouveaux endroits et de jouer en face du public. Quasiment chacun de nous a une copine, c’est sans doute ce qu’il y a de plus dur. Les laisser à la maison et entretenir une relation normale n’est vraiment pas ce qu’il y a de plus simple.

Vous arrive-t-il d’écrire des chansons spontanément, en tournée par exemple, ou vous préférez composer tranquillement à la maison, au calme ?

Avec nous les chansons sont rarement écrites spontanément, comme ça. Mais ces temps-ci, quand j’ai de bonnes idées en tête, peu m’importe où je suis. Dès qu’il y a  un piano ou une guitare dans une pièce, je ne peux pas tenir plus de cinq minutes sans improviser un petit truc. J’ai l’impression que plus je joue, plus j’ai de chances d’écrire quelque chose de bien.

Si vous pouviez jouer votre concert idéal, ce serait où et avec qui ?

J’aimerais bien faire la première partie de Radiohead au Hollywood Bowl de Los Angeles, un soir d’été, peut-être en Août… Je ne vois pas plus idéal que ça !”

Le site officiel des Local Natives

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Interview réalisée par Jean-Christophe Pujos